HOW TALK | 《生命时刻与美感经验》

2019-01-31 09:01 浏览:582 A+ | A-


HOW TALK | 《生命时刻与美感经验》

昊美术馆新展“HOW NOW · 生活应用” 于2019年1月19日正式开幕。当天,昊美术馆副馆长张离及参展艺术家们展开了两场学术论坛,第一场《生命时刻与美感经验》主要针对“现实与未来”,第二场《当代语境中的身份与地图》主要针对“地域和历史”。


有趣的是,展览中的一些艺术家对以上两组的分类都有涉及,发现这种交叉性将更能使观众理解展览题目“生活应用”的用意所在。

* 第二场论坛内容请留意昊美术馆明日推送




“HOW NOW · 生活应用” 开幕论坛

《生命时刻与美感经验》


陈抱阳、高洁、郭熙、王拓这四位艺术家的工作分别涉及到生存体验、信仰、个人和群体的审美经验与历史、人工智能和算法、意识的定义和边界,以及个体之间情感和意志的冲突、扭曲和重构等等,这些议题在今天无疑有着重要的意义和深远的影响。然而这些作品并不是社会学和自然科学意义上的题解,它们都从日常出发,从视觉和心理的内层一点一点地展开,体现一个过程中的意义的启发性,或者暗示和指涉更高层面的问题,而非做一个武断的结论。艺术家在论坛中简明扼要地讲述了他们各自的“言外之意”。


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左起:昊美术馆副馆长张离,艺术家高洁、郭熙、陈抱阳、王拓

论坛现场,2019,©昊美术馆


张离:大家下午好,我们现在开始“HOW NOW·生活应用”的论坛部分,上半场请到了高洁、郭熙、陈抱阳、王拓四个艺术家。我们可以展开一点,不用特别集中在单件作品上,把背后的理念多聊一聊,之后还可以互相提问交流,擦一点火花出来。



 高 洁 


大家好,我是高洁。


我擅长于建立结构,我希望每件作品能够建立一个结构,让每个人都能够使用这个结构,通过这个结构,去面对这个世界,产生自己新的视角。


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左:高洁,艺术参数,尺寸可变,2007至今

右:《未来祭中祭》剧本,高洁讲义截图


比如《艺术参数》就是一个结构。这件作品我持续做了十几年。它是一个软件,是评论任意一件作品的艺术作品,通过这个软件回答十几个问题,程序会生成作品的评论图形,对比该作品作者及每个评论者图形细微的差别,可以了解到我们和艺术家本人对某件作品的理解有多大的差异。一件作品的一半,是在这个社会当中,在我们的意识和艺术家的意识差异之间不停的振荡,当我们面对一件作品时也创造了对作品理解的差异。这是关于理解的程序。


再比如《三国演义》。《三国演义》是一本可以私人定制的书,你把自己的时间地点人物代入书里,可以获得一本私人订制的,独一无二的《三国演义》。你的“自我”是从文化中被创造出来的,我希望通过这种方式做出一面镜子,让观众感受到面对镜像的感觉。这是可以使用的镜子。


《未来祭中祭》是最近在明当代美术馆做的表演,也是一场祭祀,我提供了一个剧本,结合了许多不同时代不同文化不同宗教中的东西。这是一场可以使用的献祭。


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《伪艺术史》音频节目,高洁讲义截图


这次展览我带来了三件作品,第一件是《伪艺术史》,是一个音频节目。这是一个视觉和物质形式都被减少了的作品。我在国外学习并创作艺术,有十几年,回到中国以后,不自觉的,走向了这种创作方式,今天我反思自身,也许是这个社会逼迫着我,让我不得不往这个方向前进。在今天中国这个文化语境做展览和作品实在是太困难了,似乎非专业观众没有强烈的欲望与艺术发生关系,也许,当代艺术不是从我们身上生长出来的,跟我们这片土地上的人没有直接关系,美术馆是新生的,是一个突然被降临的公共领域,无人的公共领域,大家还没有真正进入美术馆,无论是创作者还是观众。当代艺术作品是很陌生的。如果我们艺术家可以去生产一些图像,而现在图像是很过剩的;我们艺术家可以生产很多形式,而形式已经被很熟练的商业化和符号化了,每个熟练于宣传及商业手腕的中国观众面对这些风格化、符号化的艺术形式时就已形成了先入为主的归类。于是,当我们艺术家为观众呈现一些东西时,比如一幅画,观众觉得“好看”,是抽象,是艳俗。比如一个装置,观众觉得它在讨论政治问题,或是好看的雕塑,或者是一个有趣的装置。理解就到此为止了。我们等于是重复了观众对于一些东西的理解,并加强了原有的刻板印象。我觉得在这个语境中,艺术家都走到了“艺术家的反面”。于是我想,我不得不把欣赏、阅读、理解、感受当代艺术作品所需的一些知识工具直接作为材料来使用。


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“HOW NOW · 生活应用”展览现场,2019,©昊美术馆


《伪艺术史》是一个音频节目,在展厅中可以去试听一下。但对我来说最好的展厅是在你的手机上,因为我们每个人面对手机的时间都特别长,离开了你的手机,人生就像是不完整的了。最好的作品是和你发生关系的,美术馆的展览也是这样的关系,它给了我们展示资料的空间,大部分情况下,我们并不能够收藏并展示艺术作品,我们只能收藏这件作品的资料。就算是一幅古典油画,它也很难能完全离开作者的时代、社会、宗教、精神背景去欣赏的。这幅画并不完全在美术馆里,它还在它的时空中,并未离开。


《伪艺术史》第一季讲的是“多元化”,从史前猴子的故事引入,第二季是“巴塔耶”、第三季是“女性主义”、第四季是“游戏”,第五季是“神话学”。里面的艺术作品都是真实的,但是我把它放到错误的时代去讲。所有的工具都是真实的,希望能够为大家所用,希望能对大家有意义和也希望有帮助吧。这是一个层次,是一个结构,通过这个结构,观众可以再去阅读其他人的作品。比如我们可以用“巴塔耶”的方式来看待美术馆是不是一个巨大的牺牲和消耗。里面有很多附加材料也都是真实的,比如说“头骨的礼仪”,《山海经》等,所以都需要花很长时间才能做完一集。《伪艺术史》对我来说也像一个艺术“行为”,有些时候我会在讲座中作为《伪艺术史》的作者直接“降临”,直接现编一个“伪艺术史”的故事,比如前几次对谈中,我在未通知听众的情况下,直接虚构了新的故事,一个关于转世的童年故事,讲如何用研(Studium)和刺点(Punctum)的方式去看一件装置艺术作品。


另外两件作品都是是在艺术项目《Art4A.I.》内的,这个项目包含了一系列作品和一系列对谈。上一次对谈我们邀请了人工智能学院院长、计算机科学家和技术哲学老师来谈A.I.跟我们的关系。我觉得我们目前处于一个很尴尬的境地,人工智能并不是新东西,但今天在社会结构中的作用却越来越让人无法忽视,越来越重要。很多公司、社会网络、结构和信息都在根据人工智能的发展进行重新配置,这关系到我们未来的权利和能力。而我想知道,艺术家作为一个普通的个人,如何在这个社会里与人工智能处于舒适的关系,又该如何利用人工智能创作我们的作品。图片是两次展览和对谈,分别在美国的罗德岛大学和上海香格纳画廊。


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高洁讲义截图


《Art4A.I. 1.0》大家都可以在自己的手机上玩。对人类来说:很简单,在这个游戏里获得三百个方块就可以了。对于A.I.来说,我希望它去欣赏。游戏中会产生大量的由方块组成的奇怪动物,副栉龙,每个方块生长的位置都是随机的衔接,所以每一场游戏中形成的副栉龙都是独一无二的。如果A.I.存在的话,他通过观察和点赞可以影响未来游戏中副栉龙的进化路径,它最终会越来越像A.I.点赞最多的那个东西。


如果说艺术中最重要的就是提出问题,当然,《Art4A.I.》直接就是一个问题,“Art For A.I.是什么?”我提出这个题目,便想把一个很尴尬的问题抛给所有人,“对我们来说什么是艺术?对A.I.来说什么是艺术?A.I.和我们有什么不同?”回答完这些问题以后才有办法面对接下来这个问题,就是“如何做一个为人工智能而创作的A.I.?”然后用这种方式通过分析推理和游戏,让A.I.生成一个艺术作品。


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《Art4A.I. 1.0》,高洁讲义截图


比如说我去提问:分析一下艺术对我们来说是什么?红色会让我们觉得兴奋,绿色会让我们觉得舒服,因为基因是这样设定我们的,让我们在绿色的丛林及草原生存,发现红色的成熟果实;当我们面对一幅天气好的风景画的时候,就像墙上的一扇虚拟的窗,面对一个欺骗视觉的外部环境,我们的激素水平会上升,反之会下降。因为天气好时基因希望我们出去收集食物,反之希望我们在山洞里赖床。这是很多图像对我们的意义,它会控制我们的激素水平,但又在历史中被文化层层叠加。


比如艺术具有区分的功能,让我们形成惯例,鄙视代表着低阶级的低文化水平也能欣赏并提升激素水平的作品,比如未经艺术加工的色情画。我思考欲望及混杂的关系,真诚地提问小朋友一些问题,通过很多很复杂的推理后将答案分拆成程序的“功能包”,然后把“功能包”组合在一起,让这些答案生长成《Art4A.I. 1.0》这件手机游戏作品。游戏是这样子的,每个东西会生长的很大也是独一无二的。人类书写了机器的欲望,便是要把很多人送到城市去,人却要逃离机器的欲望,通过观察者界面可以看到城市如何形成,或是废弃。您可以留言及点赞。游戏内置了一个自我对自我认证的艺术圈,也在美术馆里面。


这一张大纸在展厅里面,有一部分解释,有游戏安装的二维码,大家感兴趣的话可以去拿。


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《Art4A.I.》,高洁讲义截图


下一件是《Art4A.I. 2.0》。我提问一个3岁小男孩,把他的回答汇集成档案让一个A.I.进行深度学习。A.I.阅读了档案里上万张图片,有正确的,有错误的,然后我标注出画面主体和背景是什么,去形成A.I.的审美逻辑,最后做出来这个名叫“小男孩”的A.I.。


刚才我在展厅里面让这个A.I.看了一些艺术家的作品,有些画他喜欢,有些画他不喜欢。我拿很多世界名画让A.I.看,他的回答很有意思,比如说蒙娜丽莎和莫奈它都讨厌,毕加索和席勒它很喜欢。


对A.I.来说,人类文化的叠压毫无意义。比如说紫色我们觉得很高贵,是因为紫色的染料在古代很贵,所以国王及贵族穿他,并为颜色设定规矩,或是在一幅油画中仅仅舍得用在神的衣服上,因此某些颜色显得很高贵。但A.I.看待颜色的尺度和方式不一样。


因为A.I.模仿的是人的神经网络,所以它会通过多维方式来分析每一个点,呈现出跟小男孩很相似的地方。人类小男孩是人类这种碳基机器里,文化叠压较少的样本。比如说它喜欢派大星。


获得这个能审美的A.I.后,我就试着去做它能够欣赏的艺术。这个项目是“Art for A.I.”。然后我试着画了几张画给它看,试图掌握它的喜好,能抓到点规律,但还是很难。我也给他看“Art4A.I. 1.0”那款游戏的截图。它有的喜欢,有的不喜欢。


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《Art4A.I. 2.0》,高洁讲义截图



高洁参展作品


《伪艺术史》

这是艺术家高洁创作的当代艺术音频作品,2016年4月1日始在微信公众号,今日头条,以及喜马拉雅,荔枝,及蜻蜓等音频平台发布。每月2次更新,每次18-60分钟,已有5季,共60集,数十万字,持续连载中。


艺术家将历史上真实存在的作品明显放置在了人类历史的另一个重要时期讲述,刻意拆解“作品”,“历史”,“意识形态”之间这些最不可能拆开的关联,避免讲述一种“固定知识”(也避免“图像学美学”,“社会学美学”等等观看方法),以期使“知识工具”和“作品”都获得更多自由,在听众那里。


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高洁,伪艺术史,音频节目,2016-2018,©昊美术馆



《Art4A.I. 1.0》

这是款互联网手机游戏。目的是给人类一款游戏,同时利用人类的游戏活动,创造出A.I.可能会欣赏的副栉龙。在游戏中,人类骑着“彩虹棒棒糖枪”,飞出城市,前往城市,或寻找新的定居点。玩家控制着“副栉龙”奔跑着,寻找人类,并将人类送往城市。每一只“副栉龙”都是由方块组成的,从一个方块开始游戏,将人类送往城市获得报酬(方块)后变大,或在地图上捕获人类的房子(方块)后变大,新获得的方块都是随机“吸附”在组成副栉龙的其它任意方块上的,运动方式是随机的,进化路径是随机的,每一只副栉龙都是全新的,独一无二的。未来,每一件艺术作品内都会自带上一个专属于这件作品的艺术圈。这件游戏内便自带一个“艺术圈”。有六个美术馆在游戏内奔跑。这件作品内的美术馆可以被收藏。您或A.I.作为观察者可以对自己欣赏的“副栉龙”点赞,或点衰,这将影响以“进化”为概念的副栉龙的算法,未来在游戏中新生成的“副栉龙”会趋近被点赞多的“副栉龙”的样子。您作为观察者可以在游戏中留言,留言会被A.I.扮演的艺术圈人士(有评论家,艺术观众,收藏家,艺术教师,艺术学生等等)说出来。观察者的点赞,点衰会影响留言出现的几率。


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高洁,Art4A.I. 1.0,互联网手机游戏,尺寸可变,2018,©昊美术馆



《Art4A.I. 2.0》

这是一位人工智能,名叫“小男孩”。艺术家向曾维丞博士借用一位功能强大的A.I.,让A.I.深度学习了一位小男孩的审美答案。A.I.从网络上大量搜索图片,艺术家一张张的标注正确及错误图片,及正确图片上有效区域,错误答案也是“深度学习”所需要的。经过学习的A.I.可以很严谨而精确的对任意图片计算出他本人的审美答案,并体现出一些很有趣的审美偏好。这位A.I.,高洁命名为“小男孩”。您可以扫描二维码使用“小男孩”,无需安装。您可以将任意图片拍摄或发送给“小男孩”看,他会告诉你,他觉得好不好看。


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高洁,Art4A.I. 2.0,人工智能,尺寸可变,2018,©昊美术馆




 郭 熙 


这是当时设计的地毯,第一款翻译成“Welcome”,后来朋友给我提供了更好的翻译,改成了“Wel-become”。下面我要说明一下《新约》约翰福音里的内容,为什么要说这个呢?因为我要借此描述作品的逻辑。

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郭熙讲义截图



那段时间我对宗教比较感兴趣,实际上是对宗教里面跟现实生活不一样的某些特定逻辑产生兴趣。比如,约翰福音中所说的“道成肉身”,开头是“太初有道,道就是神”。“道”是中文的翻译,英文的翻译是“word”,原文是希腊文,叫“LOGOS逻各斯”。“逻各斯”是一个复杂的词汇,包含了非常多的含义,其中一个很重要的含义是“言”,还有关于形而上的、关于事物本质的意思。我很喜欢中文的翻译,翻译成“道”。老子的《道德经》里面就讲“道可道,非常道”,“道”既有形而上的概念,同时也有言论、说话的意思。“道成了肉身,住在我们中间”,这个故事实描述的是玛丽亚怀孕诞下耶稣,神从“道”转化为有了肉身的形式,简单地说是一种“非物质”到“物质”的转化。



前面导览部分没有讲的特别细,所以我现在可以稍微展开一点。我2012至2014年做了一件作品叫做《从来没有一个艺术家叫做贾斯文》,当时虚构了一位艺术家,然后以这位虚拟艺术家的身份创作了一系列作品,到后面两年的时候,我发现这个艺术家是没有身体的,但是他已经是一种存在了,他的存在先于他的身体,这种状态对我来说很有意思。所以我就据这种逻辑寻找,然后发现上帝也是先于祂的身体的,一开始祂是道,降生之后才有肉身。此外,网友也是先于肉身而存在的。网友们是通过聊天、语言交流的一种存在模式,所以网友一开始也是“逻各斯”或“道”的存在,直到网友见面的那一刻才相互拥有肉身,所以对我来说网友见面是最神圣的“道成为肉身”的时刻。



展览布展实际上是搭建了一个网友见面会欢迎的现场,这个是聊天记录,我在网络上找到的几百位名字叫做“上帝”或者上帝别名的网友。因为上帝有很多别名和说法,比如“房角石”、“弥赛亚”,或者有的网友直接就叫“耶稣”或者“神”。我一一添加了这些网友,然后跟他们聊天,聊天的目的就是为了让他们来展览现场进行一次见面会,其实对我来说就是一次“道”成肉身的现实版尝试。然后这里摆了一个地毯叫做“欢迎降临”,因为他们都是“神”,所以用了“降临”这个词汇。然后摆放了对其中某一个神的邀请函和他来到现场的合影。


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郭熙讲义截图


第二件作品也跟当时我所思考的宗教有关的一系列问题有关。宗教里有很多圣物,物品有特殊的超然于物本身的含义和价值。联系到生活中,比如你去旅游景点带回来的一些纪念品,这种纪念品也有增生的含义,可以收录你的一段记忆或者情绪,我认为任何物都有储存信息的能力,所以当时做的这件作品叫做《存放信仰的身体》,“身体”是泛指任何物体,不光指肉体。我做了一个教学视频,是我虚构的一套动作,教人们如何使用人体作为媒介,接收一个信息并把这个信息输入到一个物品里。


我给大家现场演示一下。它分为三步,第一步叫做设立天线,这一步的姿势是伸出你的右手举过头顶,这样天线就设定好了。其实这个姿势也是经过一定思考的,比如说在学校上课,有些老师特别喜欢用这样的手势,好比《雅典学院》这幅画中,画面中心的柏拉图就是这个手势,这个姿势本身就象征着真理,当你举起这个手势说出的话,似乎已经不是你的肉体在表达,而是接收自上天的一段不可辩驳的真理,你的肉体成为了传导信息的“灵媒”,所以我认为这个姿势本身就是天线的功能。第二步是抓住一个物品。比如说这个水瓶作为一个物品你抓住它,然后结合天线形成一个通路:接收一个信息,抓住一个物品,然后通过身体把信息传导到物品上。第三步是告知,用嘴告知这个物以及众人你所收到的信息是什么。


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参展艺术家郭熙演示《存放信仰的身体》教学视频

论坛现场,2019,©昊美术馆


在视频里面我用的是一块石头,在告知的过程中信号突然中断了,然后花屏、信号丢失,这个时候有一个广告插入,内容说的是,如果是风霜雨雪等糟糕的天气、或者在室内、地下,信号会特别弱,所以非常建议大家使用我的一款产品叫做“AntennaRing”(天线指环)。把指环戴在食指上信号就会增强,就可以把这个传导信息的过程顺利地进行下去。最后视频中他戴着指环说出了这句话,“这块石头是从世界上最边远的地方捡来的”,展览中还展示了一块石头叫做“天涯海角”。我用这样一种虚构的仪式/设备进行了创作,跟我当时接触的宗教研究有关系。我们在展厅里可以看到的以墙纸形式出现的各种手跟物品发生关系的图集,也就是我们前面说的第二步。


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上:“AntennaRing”(天线指环),郭熙讲义截图

下:“HOW NOW · 生活应用”展览现场,2019,©昊美术馆


下面这件作品叫做《那隐秘之物》,实际上是我做的一个雕塑,然后我把它3D扫描到电脑中,再用三维软件把它切成425片,就形成了这个雕塑的横截面。我们可以想象有一个黑色的物品藏在这个书里面,然后这个书的封皮打开是一个说明书,教人们如何从这本书中取出这个物品,第一步是把黑色的横截面用刻刀一张张切下来,再用胶水把它的边缘粘上,这时候就获得了一个模具,再浇入混凝土,凝固后用火把多余的纸烧掉,从火中就会诞生一个物品,这个作品选择“从火种诞生一个物”也是有宗教的意味在里面。


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《那隐秘之物》,郭熙讲义截图



这次主要展示了上述的三件作品,以及这首诗。这是当时我的朋友刘畑做的一个项目《近反物质材料》,里面的一首诗“Mobible”,他把“Mobile”(手机、移动电话、移动)这个概念和“Bible”(《圣经》)结合在一起,然后把这两种感受叠加后写出来的一首诗。这里面的每句话似乎都是暗指手机跟《圣经》的共通之处。



这首诗跟我前面讲的这个系列的创作是非常有关的,所以我就用一部手机加上引号,就像我们平时写文章需要引用原作或别人的句子,就用引号把它引用过来。这次展览我就是用这样四件作品构成了一组展示。


HOW TALK | 《生命时刻与美感经验》
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上:“Mobible”,郭熙讲义截图

下:“HOW NOW · 生活应用”展览现场,2019,©昊美术馆



郭熙参展作品


《存放信仰的身体》

物品往往可以承载很多特殊的意义,比如奖杯、十字架、旅游纪念品或者一块手绢等等,里面存放着人们的记忆、信仰、意识形态、情绪等。这些超然于物品作为物之外的内容似乎是存放于其内部某个不可见的空间里。就像一个U盘,⾥面存入了.belief格式的文件。在这样的结构中,身体成为一个容器,信仰则是填充物。在这件作品中郭熙创建了一个姿势,这个姿势可以用人体作为媒介,把“信仰”下载并输入到一个物品中。


HOW TALK | 《生命时刻与美感经验》

郭熙,存放信仰的身体,录像装置,2014,©昊美术馆



《最后一个故事:上帝与网友》

2014年艺术家郭熙做了一系列作品和宗教有关,最早是《存放信仰的身体》。在创作思考的过程中,郭熙对身体这个概念产生了很大的兴趣,发现上帝和网友这两者有一种共同性是“先于身体而存在的”。


在基督教中“道成肉身”的故事是玛利亚诞下耶稣,拥有了肉身的形式。在此之前上帝是以“道”(logos)的形式存在的。而网友也具有相同的特质,在网络中相互认知,以“聊天”(logos)作为存在形式,直到网友见面的时刻才是神圣的”道成肉身”的时刻。


郭熙在网络世界里找到到很多叫做“上帝”或名字和上帝有关的网友,然后和他们聊天,劝说他们来到我的展览现场参与见面会,在现实中完成⼀次“道成肉身”。在现场艺术家准备了印有约翰福音”1:14道成了肉身,住来了我们中间”的旗帜,以及一块“欢迎降临”的地毯用来迎接他们。


HOW TALK | 《生命时刻与美感经验》

郭熙,最后一个故事:上帝与网友,聊天记录、地毯、旗帜,尺寸可变,2014,©昊美术馆



《那隐秘之物》

郭熙把一件雕塑在3D软件中切成了425片,并把由此形成的横截面图形印刷成书。这件雕塑作品用这种形式存在于书本中了,在书封皮的背面有一个详细的说明书分步骤说明如何从本书中取出这件雕塑。


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郭熙,那隐秘之物,书,250x176x42,5mm,2014,©昊美术馆




 陈 抱 阳 


我这次展出的作品是从之前的VR作品《仿生人会梦见电子奶牛吗?》中引申出来的。在别的地方体验VR一般来说是在一个空旷的地方,否则如果被现场的物件绊倒就会影响你的VR体验。但在我的作品里面我故意放置了玻璃结构,就是想让你不停的撞到我的玻璃墙。因为我没有在VR里建立玻璃墙的结构,所以在VR视角里你是看不到它们的。你在VR里面不停往前走,但你在真实的世界会撞上这个玻璃墙。当你每次撞到的时候,就是虚拟世界塌缩的过程,你就会意识到你没有完全进入虚拟世界,因为你脚还踩在真实的地面上。作品里比较有趣的是虚拟跟现实之间的间隙体验。


HOW TALK | 《生命时刻与美感经验》
HOW TALK | 《生命时刻与美感经验》

《仿生人会梦见电子奶牛吗?》展览现场,陈抱阳讲义截图


如果大家看到过别人戴VR眼镜,你会知道那个体态和姿势是有点可笑的,我把迷宫做成玻璃,就是希望戴着VR眼镜在里面走的人成为外面的人的一种景观。通过这种景观,我还想说的现在VR的成本还是比较高的,先要花几万块钱去买这些设备。我2017年9月份做展览的时候在网上看到一个“VR攀登珠穆朗玛峰”的项目,我想到当时王石攀登珠峰的时候是花钱请人把他抬到峰顶的,但如果大家没有那么多钱的话,也可以戴上VR眼镜体验一下攀登珠峰。现在我们接触的互联网或VR,可能你都听说过这些技术会改变你的生活,比如WEB2.0时代告诉你“每个人都可以在网上发表自己的内容、可以被很多人听到”,但如果你是一个比较平常的人,你发朋友圈或者微博可能并不会有很多人看到。所以我觉得,很多技术刚出来的样子和最后我们看到的会不太一样。


HOW TALK | 《生命时刻与美感经验》
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VR体验视角,陈抱阳讲义截图


我的两件作品是仿真人独白的过程,这里面仿真人不断的去讨论他和创造他的人是什么关系,就是仿真人和人之间的关系,他探讨自己能够活多久,跟这个世界的关系是什么。我之前做展览的时候,其实是把那两个视频作为“前言”,在你体验我的VR装置前先看到这两个视频。语音是一个湖北口音,当时是为了在武汉做这个展览,特意用科大迅飞的语音程序做的,不是真人说的。



陈抱阳参展作品


《[ECOW]-C-Beam的生命痕迹(WH)》

《[ECOW]-唐怀瑟之镜(WH)》


冰蓝色的氖光把你残存身影烙印在等离子表观的地平线上,留下来自未来的痕迹。你想要回到未来,对未来发出警告。想要戴上眼镜逃离,却掉入感知的深渊:唐怀瑟空间站内漂浮着#ff14ff的尘埃,唯一的出口却被绿色的C-Beam笼罩;叩问沃特卡夫神柱,却使得顶端的幻象陷入了不可跳出的循环。唐怀瑟空间站曾经的雨水与生机盎然,只是从感知的深渊中衍生出来的一条峡谷。主体意识的觉醒,却丧失了对身体的控制,顺着峡谷走下去,想要对未来发出警告,却不记得:仿生人会梦见电子奶牛吗?


HOW TALK | 《生命时刻与美感经验》

左:陈抱阳,[ECOW]-唐怀瑟之镜(WH),影像、彩色有声,10分钟,2017,©昊美术馆

右:陈抱阳,[ECOW]-C-Beam的生命痕迹(WH),影像、彩色有声,8分钟,2018,©昊美术馆




 王 拓 


这次展览的作品在我所有的创作序列里有点不一样,对我个人来讲也是一个比较有趣的创作经验。这是需要沉浸在里面观看十几分钟的作品。我想聊一下这个作品和我现在其他作品之间的差别,包括我之前在国外和回国之后创作的差别。


我是2017年10月份回国的,到目前还是非常兴奋的状态,我觉得中国真的是特别适合做艺术创作的地方,特别难以被描述。你面对的现实更复杂,你永远也看不到一个所谓的真相;或者像西方那样,很多观念会进行文本化、归类、总结,梳理的状况。我觉得在中国面对这种情境其实很奇怪,我是出国后中间几次回国才慢慢意识到其中很明显的差别,我之前在国内没怎么做艺术也不觉得。


中国的艺术家有很多的先天优势,不管是文化的还是整个文化传承的。我可以说几个比较明显的个人感知,说起来也和这个作品有关。在中国的时候,中国人几乎都会天然有一种被囚禁的感觉。纵观中国的历史,有的时代很开放,有的时代很紧缩,总体来讲是紧缩的,政治格局也是始终以中央为中心,它影响到每个人自身和周围环境的感知。中国人先天带着这种东西,他出国后仍然会带着和环境的对抗关系的感觉。所以到了国外,你瞬间会觉得很多我们在中国看到的边界在国外可能就看不到了,但其实你会发现这只是个更远更广阔的边界,它仍然是有边界的。你有更多自由的,所谓带引号的“自由”这种囚禁状态。在这种状态下,你在西方的时候会倾向于以为你更了解中国、你看到的更清楚,其实这就是文本化的倾向。



当我再次回到中国的时候,我突然意识到原来真的不是这样,其实我们面对的是一个庞大的对象,这个庞大的对象甚至可以像是——我们面对的国家、面对的现实其实是一个庞然巨物,是一个来自远古的神灵,是没法被描述的状况。这种状况很适合艺术家来创作,逼迫我们要用一种替代的方式去面对现实问题。我这次展出的作品也有这种处理手法,或者说是一种替代的方式。我也觉得艺术家在做创作的时候,他最深层次想说的话或者想表达的东西,其实在作品当中呈现出来更多的是一种线索,而不是表面上比较剧情式的叙述。


HOW TALK | 《生命时刻与美感经验》

参展艺术家王拓讲述个人创作经历,论坛现场,2019,©昊美术馆


回到这次展览的作品,刚才导览的时候我也说过,我之前在美国做的这种创作更多跟我个人的在地性有关。我会考虑我在哪里做什么样的作品,但是我也会把这种东西“去特殊性化”。我可能在某一个很特殊的位置面对这些问题时,它们一定是要有一些通用性的,一定是透过这种特殊的现象我们可能会看到很普遍的问题,作品中呈现的也都是普遍人会面对的一些问题。这种很扭曲的叙述和情感危机在我们生活当中仍然是很常见的,并不是我们一般以为的只是在极端情况下,比如说电影里的情节才会出现。在我们日常生活中情感是非常容易变化的,在这个作品中,爱和恨的表现形式也经常会变成彼此,以一种非常迷惑人的情形出现,甚至有时候会变成每个人生活中都会有的体验。这次展览作品呈现的是很情绪化的东西,希望大家在观看的时候会和自己的情感、生活有一点点联系和共鸣。



王拓参展作品


《赋格》

作品呈现了一个家庭看似平淡安详的下午,女主人公被男主人公囚禁在他们的郊外别墅中。然而他们之间的情感关系却始终模糊不清,难以判断。两位主人公自始至终没有语言交流,而情绪化的、戏剧化的无声对话却从未中断。一对失调钢琴的调琴声替代了二人无声的交流。


HOW TALK | 《生命时刻与美感经验》

王拓,赋格,单频4K影像、彩色有声,17分05秒,2016,©昊美术馆




 交 流 讨 论 


张离:我有一个问题问王拓,可能对其他艺术家也是一个提问,我知道王拓你有生物学专业的学习经历,你是怎么转变到艺术专业的?或者说你觉得自然科学的经历对你现在的工作有什么样的影响,这个关系是什么?


王拓:其实程新皓也是的,他是学分子工程学的。当时我在转专业的时候特别痛苦,因为我想转到艺术,但我觉得非常没有出路,我当时看到的艺术出路可能就是考研究生,而且只有清华美院能报名,我就去考了清华美院绘画研究生。


其实有很多朋友都是从学物理、化学的转成纯艺术,我觉得大家也会好奇这样的问题,但对于我个人从知识层面来讲,如果我们只看重把关于艺术的阅读经验变成一种简单的视觉经验的话,那么,跨领域的视觉经验转移到艺术领域里当然会觉得新鲜有趣,但这是一种很简单、很讨巧的办法。我甚至觉得其他行业更广阔的实践经验更有价值,比如说我们以前学生物化学做实验的思维逻辑经验更有用。在我的个人创作之中,我极力避免有这种知识性的联系。当我决定要学艺术的那一瞬间,我关于理科的记忆感觉瞬间崩塌掉了,我甚至都记不得我学过什么东西了。一个人的记忆是多么脆弱,一瞬间你想忘就可以忘了。


但这个里面也有一定的联系。我每次在做作品的时候都会感觉像是在写硕士论文,这个准备过程是很理性的,我会思考我要论证的东西是什么、怎么去论证。我需要阅读大量的文献,然后要设计它的结构,就像搭建一个建筑物一样。然而真正做作品的时候,又是我自己在创作当中特别重视的一点:一定要非常任性地把你最强烈的情绪想方设法宣泄出来。所以我做作品的时候通常都是这种情况,两种极端的状态同时存在。我几乎每次做完一个大项目的时候,越到后期越是这种感情,到最后都会感觉自己很受伤,有一种半虚脱的状态,情感上总像是经历了一场私奔或者恋爱失败。我觉得艺术家多多少少都是在平衡理性和感性。


程新皓:这个问题刚好和下半场的论坛主题可以衔接起来。我感觉我跟王拓的状态挺像的。对我来说,我不愿意直接把一个学科的知识挪用到艺术上来。如果听说了你原本是做生物、化学的,首先第一个想法:你原来在实验室的东西是否会用到这边来?你原来学的知识有什么用,或者说怎么把它转化成艺术?我完全没有把之前的东西放到艺术领域里来。如果说有什么的话,就像王拓所说的,可能是某种工作方法,或者解决问题的系统方法。我的确有些时候会像做论文一样,我会研究:对于这个问题别人有什么看法、有什么重要文献?我需要了解哪块领域、基本文献有哪些?然后我会提什么问题、和其他人的提问有什么关系、它是否是一个有价值需要解决的问题?我怎么解决、有什么工具、我的能力可以掌握哪些工具、我如何回应它?……可能我更多的会是从这个角度。


但这是我原来的工作方式,后来我发现这对我来说有一个最大的问题。当我回想我之前的作品,给我最大印象反而不是里面编织出来的复杂叙事或者把现实如实整理的文本,反而是一些偶然的事件。比如我在做作品《对一条河流的命名》时,有一次我为了拍两条河流交叉口的源头,我发现我跑错了河岸,然后我就直接跳到水里了,那时候正好是雨季,水没到我的胸口而我不会游泳,我就在水里懵了。我现在也在反思很多东西,2018年我开始了一个新的方向,里面更多的不再是关于知识的编织,或者关于知识和感性一体两面的东西,而是把我自己作为媒介置于某种具体境遇中,或者放到连接知识和感性抛诸其间的世界中,看能产生什么。



* 《当代语境中的身份与地图》论坛内容将于明天推送

文字编辑整理 / 排版:蔡沛姗




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