苏珊·桑塔格丨沉默的美学1-2

2018-12-21 22:04 浏览:191 A+ | A-

沉默的美学

(一)-(二)

 苏珊·桑塔格丨文

周颖丨译 

选自《沉默的美学:苏珊·桑塔格论文选》

南海出版时,2006

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(一)

 

每一个时代必须为自己重新启动一个“精神性”的计划(the project of “spirituality”)。(精神性=各种致力于解决人类境遇中固有的令人棘手的结构性矛盾,力求完善人类意识,同时以超越为目标的计划、术语和行动理念。)

 

到了现代,“艺术”成为这个计划最生动的隐喻之一。画家、音乐家、诗人、舞蹈家的活动一旦被归到“艺术”的总目下(相当晚近才有的趋势),就被证明是一个舞台,尤其适合上演苦恼意识的形式剧,每一件艺术作品则成为调节或调和这些矛盾的多少有些狡黠的范式。当然,这个舞台需要不断更新。因为无论为艺术设定什么样的目标,最终将证明是有限度的,与意识的最高目标相抵牾。艺术本身作为一种神秘化(mystification)的形式,承受着一系列破解神秘化(demystification)的危机:陈旧的艺术目标受到攻击,并在表面上被取代,过期的意识图谱被重新绘制。而为度过所有危机提供能量的——指通常意义上的能量——正是把众多殊异的艺术活动综合为一个种类的统一化行为。“艺术”形成的那一刻,也正是现代艺术起步的一刻。从那以后,任何一种归之于艺术名下的活动变成颇有疑问的了,它的一切程序,甚至于到最后它存在的那种权利都可能受到质疑。

 

在把各种艺术提升为一种“艺术”的过程中,产生了与艺术相关的一个最重要的神话,即艺术家行为的绝对性神话。在较为粗陋的原始版本中,这个神话把艺术当作人类意识——致力于认识自身的意识——的一种表述形式。(从这个版本衍生的评价标准很容易掌握:一些表述形式比另一些更完整、高级、广博和丰富。)后来的版本在艺术与意识之间发现了更复杂、更悲剧性的关系。它不承认艺术是单纯的表述,反把艺术与思维自我间离(self-estrangement)的要求或能力联系起来。艺术不再被理解为表达自身并由此暗中肯定自身的意识。它不再是意识本身,而是意识的解毒剂——从意识本身演化而来的解毒剂。(达到这个版本的评价标准,已经证明要艰难得多。)

 

这一脱胎于后心理学的意识概念的新型神话,在艺术活动中设置了许多悖论。这些悖论就像伟大的宗教神秘主义者所描述的那样,与获取一种绝对的存在状态密切相关。正如神秘主义者的活动必定最终走向否定之途(a via negativa),走向上帝隐匿的神学,渴望潜入知识无法企及的未知领域,获得超越语言的沉默,艺术也必然导向反艺术,导向对沉默的追求,“主体”(“客体”、“形象”)的取消,以及偶然行为对刻意行为的取代。

 

在早期描述艺术与意识关系的线性模式中,富有创造性冲动的“精神”完备性与日常生活具有的令精神涣散的“物质性”(这种“物质性”在人们得到真正升华的道路上屡屡设置障碍)之间,可以看出一种斗争关系。而新的版本——艺术在其中参与了与意识的辩证交流——则展现了一种更尖锐、更令人沮丧的冲突。于艺术中寻求体现的“精神”与艺术本身的“物质”特性发生了冲突。艺术被暴露出无根无据的本来面目,而艺术家工具(尤其是语言)的那种真切性(以及历史性)看来也是一个陷阱。艺术家的行为则由于其实践领域是靠二手知识装备的世界,又由于语言的背叛使之特别混乱,被冠以“间接”的恶名遭到诅咒。艺术成为艺术家的死敌,因为它妨碍他实现梦寐以求的理想——实现一种超越。

 

于是,艺术开始被当作某种需要颠覆的东西。一个新的元素由此进入作为个体的艺术作品,并成为构成它的基本要素:这就是(或隐含或公开的)自我取消的吁求——最终会衍变为取消艺术的吁求。

 

(二)

 

场景切换到一间空屋。

 

兰波前往阿比西尼亚,希望在奴隶贸易中发财致富。维特根斯坦担任了一段时期的乡村小学教员后,选择了一份琐碎的工作——医院护理员。杜尚则转向国际象棋。这些都是很有代表性的放弃一种职业的方式,在做这种选择的时候,他们个个都宣称,自己以往在诗歌、哲学或艺术领域取得的成绩微不足道、无关紧要。

 

然而,选择永恒的沉默,并没有否定他们的工作。相反,它以反作用力的方式,授予中途放弃的事业格外的力量与权威——对工作的否弃反而成为肯定其有效性的新源泉,成为确认其无可置疑的严肃性的明证。这里的严肃性并不在于把艺术(或者像维特根斯坦那样以艺术形式表现的哲学)视为某种恒久严肃的东西,一个“终点”,或者是背负雄心壮志的永恒载体。真正严肃的态度,反而是把艺术当作获得一种“手段”,去谋取也许只有通过舍弃艺术才能获得的东西。如果用更不耐烦的语气来判断,艺术乃是一种虚假的方式或(借用达达主义艺术家雅克·瓦谢的语汇)愚蠢的行为。

 

艺术虽然不再是一种自白,却成为一种前所未有的宣泄和苦行实践。通过艺术,艺术家变得纯净——不仅净化了自己,最终也净化了他的艺术。艺术家(如果不是艺术本身)仍然在追求“完善”的道路上行进。只不过在以前,他追求的完善控制着他的艺术,而且在艺术中得到实现;对于现在的艺术家而言,最高的完善是达到某一点,在那一点上,出类拔萃的目标从情感和伦理上都不再重要,让他更心满意足的不是在艺术中找到一个声音,而是保持沉默。这个意义上的沉默作为终点,倡导的是一种终极的情绪,它与另一种情绪完全相反,后者告诉人们自觉的艺术家如何在传统的意义上以严肃的态度运用沉默(在瓦莱里和里尔克的笔下得到了传神的描述):在这个意义上,沉默是苦思冥想的地带,是思想成熟的萌芽阶段,是最终为言说争取到权利而经受的磨炼。

 

只要艺术家抱着严肃的态度,就会不断尝试切断他与观众之间的对话。沉默是不愿交流或者在与观众交流的问题上举棋不定的极端表现,这种举棋不定正是现代艺术在不知疲倦地追求新奇与(或)艰深的同时,首要表现的主题。沉默是艺术家超脱尘俗的最后姿态:凭借沉默,他解除了自己与世界的奴役关系,这个世界对他的工作而言,是作为赞助商、客户、消费者、反对者、仲裁者和毁灭者出现的。

 

尽管如此,人们仍然完全能在这一“背弃”社会的举动中,察觉到一副高度社会化的姿态。促使艺术家最终从对职业的需求中解脱出来的原因,来自于他对同行的观察,以及将同行与自己比较后获得的心理暗示。只有在艺术家已经证明他具有天才的禀赋,并且令人信服地施展了这一禀赋后,才能够做出这种典范性的决定。一旦他根据自己认同的标准,判断自己已经高居于同侪之上,那么他的傲气只有一个出口了。要成为沉默的牺牲品,在更深远的意义上就意味着要比其他所有人技高一筹。言下之意是,艺术家与常人相比,拥有更多思考问题的智慧,更坚强的神经,以及更高的判断优良的标准。(艺术家能够坚持不懈地探求他的艺术,直到他或它被穷尽的一刻,这一点是无需证明的。正如法国诗人勒内·夏尔所写:“在疑窦丛生的树林里,小鸟也无心歌唱。”)


【未完待续~】


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